Monthly Archives: October 2018

Zu Amélie Nothombs neuem Roman “Happy End”


Happy End Es ist kein Kitsch, aber es ist verdammt nah dran! Diese Bemerkung träfe wohl auf einige Bücher von Amélie Nothomb zu und beschreibt außerdem recht gut den unverblümten Sinn für Schönheit und Sinnlichkeit, der ihnen entspringt und den Hauch von frecher Genialität, der sie umgibt.

Amélie Nothomb ist nämlich eine Meisterin der Direktheit, der ungekünstelten Intensität und auch der Brechstangenpsychologie, letztere wendet sie jedoch mit so viel Feingefühl, Witz und einem Gespür für letzte Ambivalenzen an, dass man sie ihr nicht übel nimmt, ebenso wenig wie die Schlichtheit ihrer Plots, sondern vielmehr staunt, wie sie mit diesen einfachen Aufzügen den Sehnsüchten und Dilemmas des Menschlichen so nah kommt.

Nothomb hat nur wenige Themen, aber Schönheit und Hässlichkeit (und ihre Gegenüberstellung) sind eines davon (sie hat diesen Topos schon in Büchern wie “Quecksilber” aufgegriffen). In “Happy End” hüllt sie das Thema in ein paar leicht märchenhafte Faktoren und erzählt, unabhängig voneinander, die Geschichten zweier Einzelgänger*innen, einer strahlenden Schönheit und einem von Geburt an hässlichen Jungen, die beide durch ihr Äußeres auf sich selbst zurückgeworfen sind und sich schließlich mehr in sich selbst als in der Welt einrichten. Während die Schönheit Trémière später Juwelen für sich entdeckt, besser: die Kunst sie zu tragen, verbringt Déodat sein Leben mit dem Beobachten und Studieren der Vögel. Beide sehnen sich, irgendwann einmal mehr verstanden zu werden als bisher. Aber wie soll das möglich sein, schwebt ihr Aussehen doch über ihnen – aber nicht einmal das scheint ein Garant für ein ungeplagtes Herz zu sein.

Eine Kunst, die Nothomb neben Leichtigkeit, Witz und Esprit beherrscht, ist die Kunst der Faszination. Ich werde wohl nie zum Vogelversessenen werden, aber für ein paar Seiten hat mich Nothomb zu einem gemacht (wie sie mich für kurze Zeit schon zu so vielem gemacht hat: zum Champagnersäufer, Briefeschreiber, zum Süßigkeitenanhimmler, zum Japantouristen, ja, zum Monster). Sonderlinge bevölkern ihre Romane, aber sie streift sie uns ohne Schwierigkeiten über und ihre Eigenwilligkeit wird zur Selbstverständigkeit, zum Herz-hochschlagen-lassenden Existenzinhalt.

“Happy End” ist ein weiteres Glanzstück, das kein Nothomb-Fan sich entgehen lassen sollte und jeder Neueinsteiger bedenkenlos zur Hand nehmen kann. Ein Hoch auf Amélie Nothomb!

Zu “Rebellinnen”von Simone Frieling


Rebellinnen Bekannt, bewundert und umstritten – das trifft auf alle drei „Rebellinnen“ dieses Bandes zu, deren Lebensläufe und vor allem Wesenszüge Simone Frieling in jeweils separaten Kapiteln aufarbeitet. Es sind Porträts, die einen besonderen Balanceakt wagen, insofern als sie die Widersprüche und ambivalenten Bedürfnisse im Charakter der drei Frauen hervorheben, aber nicht das eine zur Licht-, das andere zur Schattenseite rechnen, vielmehr alles gleichberechtigt nebeneinander stehen lassen.

Bei Rosa Luxemburg zum Beispiel verschweigt Frieling nicht, dass die Grande Dame des marxistisch-proletarischen Denkens durchaus sehr viel für bürgerliche Annehmlichkeiten übrighatte und auch für Besitz. Dies kehrt sie aber nicht tadelnd heraus, sondern stell es schlicht fest, es fließt ohne besondere Anmerkung oder Hervorhebung ein, gesellt sich zu ihrer bedingungslosen Analyse der Arbeiter*innenschaft, ihrem Desinteresse am Feminismus, ihrem Pazifismus, ihrer Zuneigung zu Tieren, ihrer Einstellung zur Treue, ihrer Heiterkeit, ihrer Starrköpfigkeit, etc.

Diese Art des biographischen Narrativ ist gleichsam beeindruckend und irritierend; ich zumindest bin es nicht gewohnt, dass die Protagonist*innen von Biographien in all ihren menschlichen Aspekten, die meist widersprüchlich sind, belassen werden. Meist machen Biograph*innen irgendeine Rechnung auf, erklären manches als situativ, manches als unwesentlich (oder verschweigen es) und basteln sich so etwas wie eine generelle Wesenshaltung, ein Leitmotiv, zurecht.

Frieling gelingt es, zumindest in den Texten zu Luxemburg und Weil, über das bloße Biographische hinauszugehen und uns einen Einblick in die Mannigfaltigkeit und Lebendigkeit der Psyche zu verschaffen. Das liegt auch an der Dynamik ihres eigenen Schreibstils, der manchmal fast zu sprunghaft ist, aber gerade durch diese Sprunghaftigkeit einige Eindrücke besser vermittelt.

Der Text zu Hannah Arendt wirkt dagegen blasser. Er ist nicht schlechter geschrieben oder weniger informativ, aber nicht so intensiv. Während sich Frieling bei Luxemburg viel auf Zitate aus ihren Briefen stützt und Weil mit Nachdruck als das zerrissene Wesen portraitiert, das sie war, betont sie bei Arendt nur unermüdlich, wie schwierig die Zeit nach dem Erscheinen von „Eichmann in Jerusalem“ für sie war (als gäbe es keine andere Möglichkeit, Arendts Emotionen zu portraitieren – den Fall Heidegger z.B. erwähnt Frieling fast mit keiner Silbe).

Zugutehalten muss man ihr wiederum, dass sie Arendt (wie auch den beiden anderen) im genau richtigen Maße kritisch begegnet und auch klar macht, dass sie bei ihrem Bild von Eichmann danebenlag (wie spätere Dokumente und Audiobänder zeigten). Letztlich liegt der Fokus bei Arendt wohl so sehr auf diesem Lebensabschnitt, weil es sonst schwierig geworden wäre, sie neben den beiden anderen als „Rebellin“ einzureihen.

Der Weil-Text ist wiederum sehr gut und führt einem das Extrem ihres Lebens und die Besonderheit ihres Werkes, das meist in die eine oder andere Richtung vereinnahmt wird, vor Augen. Ich kann nur jedem raten sich einmal mit Weils Essays oder ihrem Fabriktagebuch zu beschäftigen.

Gerade wegen der beiden Texte zu Weil und Luxemburg (zu ersterer gibt es so gut wie keine, zu letzterer zumindest wenig Beiträge) ist dies Büchlein lesenswert; man verlässt es mit einem facettenreichen Bündel an Eindrücken zu den jeweiligen Personen. Überhaupt ist es natürlich wunderbar, dass es Bücher gibt, in denen an diese drei wichtigen Denkerinnen des 20. Jahrhunderts erinnert wird, deren Werke ganz gewiss noch nicht veraltet sind und zu denen man vielleicht mal wieder (oder zum ersten Mal) greifen sollte.

Zu “Herzweise – 100 Gedichte der Gegenwart”


Herzweise „Wir bissen in die Schaumkronen
versunkener Dichter und Philosophen
glühend waren unsere Gedanken
sie brannten sich Löcher in unsere Worte“
(Simone Lucia Birkner)

Mit diesem Gedichtband habe ich mich nun schon eine Weile beschäftigt. Er lag fast ein ganzes Jahr bei mir herum, ich las darin, immer wieder, konnte ihn aber nie ganz zu fassen kriegen, habe meinen Eindruck zu ihm mehrfach verworfen und neu gebildet.

Aber nie hat er in mir klare Konturen hinterlassen – kaum schloss ich den Band, schwanden auch meine Vorstellungen von den Gedichten dahin, wenig blieb haften. Eine Erfahrung, die ja an und für sich kein Problem darstellt. Gedichte müssen schließlich keine Erwartungen einlösen – im Zweifelsfall sind die Erwartungen verkehrt, nicht die Gedichte. Und sie dürfen auch flüchtig sein, extrem flüchtig.

„Wir aber gehen unter dem Gesang der Vögel
und sammeln Erinnerungen ein
Muscheln, Stöcke und Steine
Die vielleicht überdauern
Oder die wir später woanders verstreuen

Am Horizont ziehen große Schiffe
Mit Hoffnung im Bauch zur See“
(Sandra Blume)

Was mich aber glaube ich von Anfang an störte und das Leseerlebnis dauerhaft untergrub, war der Untertitel: 100 Gedichte der Gegenwart (und zusätzlich das Vorwort). Inwiefern trifft dieser Untertitel auf die Gedichte zu? Das Vorwort beginnt mit der Formulierung: „Gedichte sind Orte, an denen sich Erfahrungen als eine stets zugängliche Gegenwart einprägen.“ Auf den ersten Blick erscheinen dieser Satz und das folgende Vorwort, welches das Gedicht im Prinzip als Kulminationspunkt und Aufbewahrungsinstanz jedweder möglichen Erfahrung sieht, sehr schlüssig zu sein.

Aber im Prinzip ist das Vorwort schlicht ein Herumlavieren, das nichts über die Gedichte dieses Bandes sagt, sondern etwas über Gedichte generell; es verlautbart sehr Hehres und Schönes. Und es sagt ja nichts Falsches, aber es unternimmt keinen echten Versuch, die Gedichte einzuordnen oder genauer zu betrachten und etwas darüber sagen, warum gerade dieses Gedichte das Label „Gegenwart“ (über den vom Vorwort selbst festgelegten Rahmen dieses Begriffs, der aber einfach nicht ausreicht oder nicht einfach ausklammern kann, dass der Begriff Gegenwart auch politisch/gesellschaftlich ist) verdienen (und andere nicht, unausgesprochen).

„Ich liebe dich nicht!
Ich kenne dich nicht einmal!
Und doch fühlt es sich
so an wie Liebe: dieses
Warten auf ein Wort von dir!“
(Hannah Buchholz)

Damit will ich die Gedichte noch gar nicht ästhetisch bewerten, aber es sind schlicht keine Gedichte „der Gegenwart“. Sie haben nichts an sich, das sie als Texte ausweist, dir nur in unserer Zeit entstehen konnten. Ja, sie sind sogar auffällig „zeitlos“ und selbstbezogen, verorten sich weder in irgendeiner lyrisch-literarischen Traditionen, noch haben sie anscheinend theoretische Überlegungen oder Entwicklungen der zeitgenössischen Poesien registriert, beherzigt oder verworfen.

Noch mal: das alles soll nicht die Gedichte als Erlebnisräume und Orte des Ausdrucks schmälern. Aber die Form der Präsentation macht viel aus. Und es schmerzt, dass die Art der Präsentation den Gedichten in diesem Fall einen Bärendienst erweist. So werden bspw. auch, schon in den ersten Zeilen des Vorworts, Petrarca, Baudelaire und Novalis genannt. Das bürdet den Gedichten zusätzlich die unheimliche Last dieser Schatten, des Vergleiches, auf, zumal sie nicht erkennen lassen, dass eine Auseinandersetzung mit Petrarca oder Baudelaire (bei Novalis kann ich mir kein Urteil erlauben) stattgefunden hat.

Ich spiele mich sehr ungern auf und ich bin mir nie sicher, wann es geboten ist, kritische Stimmen anzubringen; meist bin ich mehr an dem interessiert, was in Texten steckt und weniger an dem, was man an ihnen kritisieren könnte (etwas lässt sich immer finden, meiner Erfahrung nach). Hier hatte ich den Eindruck, dass eine Kritik an der Präsentation vonnöten ist.

„und ich hörte
den oktober

mit donnernden fingern
zeichnete er einen blitz
in den himmel
erhob sich die weichheit
und zwinkerte mir zu

schließ die augen
(sieh nicht hin)

und ich schloss die augen
und ich sah“
(Diana Jahr)

Zu den Gedichten: Es gibt bei jeder der Dichter*innen Texte, die mir gefallen haben. Allerdings sind sie dann und wann sehr selbstreferentiell, was mitunter wie eine Manie wirkt, wie eine sich selbst am Laufen haltende Maschinerie. Es gibt auch einige Begriffe, die für meinen Geschmack etwas zu inflationär gebraucht werden: Stille, („Am Schwersten ist es mit der Stille und dem Schweigen – wenn du über sie sprichst, sind sie schon nicht mehr vorhanden. Sie werden nicht herbeigerufen durch das jeweilige Wort, sondern einbezogen durch das Unscheinbarste, das deine Verse nennen.“ Aus einem Brief von Martina Zwetajewa), Herz, Sprache und Wort.
Auch in den Zuordnungen der Bilder, den Metaphern, scheinen sie sich manchmal rein dem Überschwang hinzugeben, fast schon beliebig vorzugehen. Es gibt einige Komposita, schöne darunter, aber sie klingen bei mancher Gelegenheit wie sprachlicher Nippes, also wenig zwingend.

Häufig gibt es ein Du in den Gedichten, das angesprochen wird, was natürlich schön ist, in der Vielzahl aber wie bloße Rhetorik, wie eine Art versichernde Geste wirkt. Überhaupt hätte ich den Gedichten manchmal gern zugerufen: Traut euch doch ein Stück weiter, hüllt euch nicht so stark ins Referentielle, in Wiederholtes und Bewährtes, in die Pose des poetischen Vollführens! Ihr habt die ganze Sprache, von den botanischen Begriffen bis zu den großen Worten Liebe und Tod. Ihr könnt noch so viel mehr erreichen!

Ich will aber gewiss nicht meine Ansprüche an Lyrik gegen diese Gedichte ins Feld führen. Sie dürfen sein wie sie sind, was sie sind. Rückzugsorte, Selbstausdrücke und -bezüge, Ausflüge ins Sprachland, Poesien der wenigen, aber klaren Begriffe.

Das ist mir wichtig, am Ende festzuhalten: ich will diese Gedichte nicht zurechtweisen oder herabstufen, ihnen ein Platz in irgendeiner Hierarchie zuweisen. Dazu habe ich weder die Kompetenz noch Lust noch das Recht. Wichtig war mir, meine Bedenken anzubringen – jeder Dichter und jede Dichterin muss selbst schauen, was an Kritik bei ihr/ihm auf fruchtbaren Boden fällt und mit welchen Anmerkungen man schlicht nichts anfangen kann, weil sie nichts mit der eigenen poetischen Position zu tun haben, sie möglicherweise sogar schlicht verfehlen. Ich bin vielleicht auch nicht der richtige Leser, bewege mich schon zu sehr in anderen Gefilden, kann die Neigung dieser Verse nicht würdigen. Ich hoffe, mir wird dies im Zweifelsfall verziehen.

„Ich werde nach dir suchen
hinter dem Kalk und dem Regen.
Ich werde deine Augen
– die Flüsse des Sommers –
durchqueren, ohne Sprache.“
(Á. M. Perezáno)

Zur neuen Ausgabe der “Göttlichen Komödie” beim Manesse Verlag


Göttliche Komödie Immer wieder habe ich in verschiedenen deutschen Übersetzungen von Dantes Göttlicher Komödie gelesen und eines ist klar: schöne Übersetzungen gibt es viele. Die Dante-Gesellschaft zählt bis heute 52 vollständige Übersetzungen, beginnend 1767 mit Lebrecht Bachenschwanz Prosaübertragung und endend bei den Prosa-Übersetzungen von Kurt Flasch und Hartmut Köhler in den letzten Jahren (2011 bzw. 2012). Die ganze Liste kann hier eingesehen werden: http://dante-gesellschaft.de/dante-alighieri/divina-commedia/

Ida und Walther von Wartburgs Übertragung aus den frühen 60er Jahren gilt durchaus als eine der klassischsten. Einen großen Vorteil bietet die Manesse-Ausgabe mit dieser Übersetzung allerdings vor allem wegen des sehr umfangreichen Kommentars, den Walther von Wartburg zu jedem Einzelnen der 100 Gesänge verfasst hat und der einen mit Erläuterungen, Hinweisen und Hintergründen versorgt. Während ich bei der Übersetzung nicht immer sicher war, welche ich vorziehen soll und welche am adäquatesten (oder schlicht schönsten) ist, hat sich dieses tausendseitige Ausgabe aufgrund des Kommentars als die beste Art und Weise erwiesen, sich Dantes Meisterwerk zu nähern.

Ich denke nicht, dass man zur Commedia selbst etwas sagen muss. Es ist ein einmaliges, in vielen Belangen großartiges Werk, das an einigen Stellen eine berauschende Schönheit, an anderen eine überzeitliche Klugheit besitzt. Wer sich dem Werk nähern und sich zur Lektüre angeregt sehen will, dem kann ich Roberto Benignis „Mein Dante“ oder die wunderbaren Essays in Jorge Luis Borges „Letzte Reise des Odysseus“ empfehlen. Auch einige Abschnitte aus Alberto Manguels „Geschichte der Neugierde“ drehen sich um dieses epische Gedicht, das im Übrigen die italienische Sprache zur Schriftsprache machte und vom Latein loseiste.

Wer sich dieses Buch noch nicht vorgenommen hat, bei wem es nicht zumindest auf der Longlist steht, an den möchte ich auf jeden Fall appellieren: schaut mal rein. Oft schlägt einen das Buch schon mit dem Prolog in seinen Bann oder beim Lesen in einem x-beliebigen Kapitel. Für wen Terzinen nichts sind, der kann zu einer der Prosa-Übersetzungen (bspw. die von Flasch) greifen, wer es pompös mag, dem würde ich zu einer Ausgabe mit der Übersetzung von Philalethes raten. Und wer sich nicht ohne Beiwerk herantraut, dem sei diese Ausgabe hier wärmstens empfohlen.

Zu “Kein Roman” von Jenny Erpenbeck


Kein Roman von Jenny Erpenbeck Jenny Erpenbeck ist ein Unikum. Ich kenne keine Autorin (und keinen Autor) der auf so feine, distinktive Art und Weise den Dingen beim Schreiben auf den Grund geht, sie abtastet und um Ecken herum falsifiziert und gleichermaßen zur Faszination emporhebt. Dies vorweg, um klar zu machen, dass meine Bewunderung für die Autorin schon vorher bestand – und durch diesen Band bestätigt und nicht im Mindesten erschüttert wurde.

Gegliedert ist das Buch in sechs Teile mit den Titeln: „Leben“, „Wege“, „Schreiben und Literatur“, „Musik“, „Bilder“ und zuletzt „Gesellschaft“. Der erste Abschnitt enthält (wie auch der dritte) viele Reden, die Erpenbeck zur Aufnahme bei Institutionen oder bei der Verleihung von Preisen gehalten hat. Es sind aber nicht die allzu üblichen, manierlichen Ausbreitungen oder ästhetisch-prinzipielle Höhenflügen, die wir von ihr zu hören/lesen kriegen, sondern Selbstbefragungen, Überlegungsbahnen, auf denen gekreist wird, und die mehr an Gewissheit abstoßen, entgehen lassen, als sie anziehen; dieses Verfahren erzeugt einen Strudel, eine sogähnliche, marmorierende Wirkung. Erpenbeck macht zumeist früh klar, dass sie im Unauslotbaren schwimmt und auch nicht tiefer tauchen kann als andere, es nur regelmäßiger tut – es zieht sie in die Tiefen, aber auch sie ist nicht die natürliche Bewohnerin dieser Tiefe, auch sie ist nur Besucherin, Taucherin.

Der Trend der Selbstbefragung zieht sich durchs ganze Buch. Die Texte erweisen sich nicht als Wegweiser, sondern als Labyrinthe ohne Sackgassen, aber ohne Ausgang ebenso; als Verästelungen, die durch ihre Feinheit eine große einnehmende Kraft erzeugen, die einen zu allen Erscheinungen in diesen Texten hinzieht.

Man merkt schon, dass mir meine Sprache kaum ausreicht und ich habe das Gefühl, meine Worte werden den Worten Erpenbecks, die sie so gut und gleichsam ohne Rücksicht zu wählen weiß, nicht gerecht. Ihre Sprache ist nicht artistisch, aber so gewunden und direkt, dass sie in ihren Auswüchsen plötzlich schmerzen kann und gleichsam vollendet zu zieren scheint.

„Kein Roman“ ist ein Buch, dessen Reichtum aus jedem einzelnen Text neu hervorgeht. Wer ein paar klare Thesen will, der ist hier falsch aufgehoben. Erpenbecks Sprache geht nicht den Weg der offenkundigen Widerstände und Debatten, sondern der Anklänge, des Unwägbaren, des nicht Abgeholten. Beeindruckend, berückend, bedrückend mitunter, ist die daraus resultierende Erfahrung, faszinierend und fesselnd.

Zu “Aleppo literarisch”, herausgegeben von Mamoun Fansa


Aleppo literarisch “Aleppo blickt auf 5000 Jahre Kulturgeschichte zurück. Die Stadt zählt zu den ältesten durchgehend besiedelten Städten der Welt. […] Was davon in den vergangenen Jahren des Krieges zerstört wurde, wird uns immer wieder vor Augen geführt.
Die nicht minder tiefgreifende Zerstörung immaterieller Kultur bleibt dabei häufig ‘unsichtbar’. Diese möchte das kleine, aber umso liebevoller gemachte Buch in den Blickwinkel des Lesers rücken.”

Und dabei ist der Titelzusatz “literarisch” noch zu kurz gegriffen. Es geht nicht nur um Geschichten und Gedichte aus und über Aleppo, sondern auch um Musik, Sprichworte, Kinderspiele – um nur einige Beispiel zu nennen.

Von James Joyce ‚Ulysses‘ sagt man, dass die ganze Stadt Dublin, würde sie zerstört, mit seiner Hilfe wieder aufgebaut werden könnte. Nun schwebte Dublin die letzten Jahrhunderte nie in die Gefahr, zerstört zu werden (ironischer Weise tragen allerdings die EU-Übereinkommen für Migration den Namen dieser Stadt).

Ganz anders ist es klarerweise bei Aleppo. Und obgleich dieses Büchlein sicher nicht einen Großteil der immateriellen Seele von Aleppos Kultur fasst, ist doch allein schon der Versuch ein beeindruckendes Zeichen und das Buch eine gelungene Umsetzung dieses Zeichens.

Es kommen hauptsächlich Exilanten und Außenstehende zu Wort, allerdings sind sie alle vertraut mit der Geschichte und oft auch mit dem Angesicht Aleppos; die Texte sind in jeder Hinsicht Liebeserklärungen, Spezialitäten, keine wissenschaftlich-neutralen Beiträge, die nach Auftragsarbeit klingen. Der Band ist wunderbar bebildert, ein echter Schatz. Neben Gedichten, Streifzügen, gibt es auch Beiträge zur Geschichte Aleppos, die spannend sind.

Fazit: ein wunderbares Buch, um Aleppo ein klein wenig kennenzulernen.